“澎湃新聞·藝術評論”（www.6773257.com）評展欄目，以親身的觀展體驗和獨立的視角，評點近期展覽。本期評點的展覽有蘇州美術館的“勒·柯布西耶—色彩的交響樂”，用“色彩”主題點出柯布建筑與繪畫中的重要線索；北京紅磚美術館的“儀禮·兆與易”群展則試圖以莊子的《逍遙游》作為策展導引，關注亞洲文化與哲學；而英國皇家藝術學院的“比爾·維奧拉/米開朗基羅”展則呈現兩個不同時代的藝術家對于生命、死亡等問題的探索。

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勒·柯布西耶—色彩的交響樂

展期：2019年1月10日-2019年2月17日

地點：蘇州美術館

票價：免費

點評：柯布西耶代表性的項目，均以圖片、設計手稿、模型等方式客觀地呈現，并巧用“色彩”主題點出柯布建筑與繪畫中的重要線索。環繞于墻頂的大幅照片與仿朗香教堂外墻，讓人置身柯布世界。如果能結合模型/展品，說明柯布建筑思想精髓，啟發相對陌生的普通觀眾，那會是接近完美的演繹。

評星：四星

就連看過很多個勒·柯布西耶建筑項目并“深深感激”這位巨人的普利茲克獎得主王澍都在百忙之中趕赴蘇州美術館，借展覽之機再次品味并致以敬意，帶著2007年作為實習生接手第一份文案就“讀到”柯布西耶的回憶，筆者此番懷揣的又是怎樣一份敬意與好奇？

1月10日16:30舉行開幕式。但不到15點，欣賞者已陸續步入展廳。比起以往觀展，都放慢了步伐。

與展廳序言墻遙相呼應的，是一溜大約20大幅色彩紙。原來，勒·柯布西耶的配色擁有版權，基金會負責對外銷售。如若不是這樣一位大師，心中或許壓抑不住對“色彩營銷”的疑慮。

展覽的標配，不令人驚喜，但絕不令人失望：柯布重要的約10個項目，以老照片、圖紙、黑白或彩色設計稿、模型的方式，以“色彩”為線索，順著時間軸鋪陳，甚至一眼望不到底的近20本《新精神》原版雜志（后匯編成《走向新建筑》一書），讓人心安于泛黃書頁里的閃光智慧。

如果有耿耿于懷的，一則，是體現柯布極為重要的“新建筑五點”被印在了極難察覺的有機玻璃頂棚的反面，而不是與建筑模型有機結合，給觀眾更清晰的學術指引；二則，是展覽末尾的長視頻，由于當日布展倉促，未及調試，每隔1-2分鐘卡住，需要熱心觀眾手動繼續……

盡管如此，當你目睹了柯布粗獷而不失細膩的木雕、天真而色彩爛漫的水彩、足夠與畢加索“別苗頭”的立體派油畫，以及環繞在展廳二層、巨大尺幅的黑白建筑照片，還有那局部還原了朗香教堂外墻的展項，應已折服于柯布的豐富、溫暖、智慧和無盡探索，一些瑕疵是可以被原諒的。當然，前提是不知道法國策展人大賺了上百萬元的策展費……

看罷展覽，趁著余熱，可以打開書本，讀一讀柯布青年時期的《東方游記》，書中藏有他精神的底色，還有，讀著名的《走向新建筑》，并期待未來“走向”他的建筑，靜靜對話。（文/陸斯嘉）

儀禮·兆與易

展期：2018年11月3日-2019年4月7日

地點：北京紅磚美術館

票價：120元

點評：展覽呈現十位來自亞洲大陸不同國家和地區的藝術家的最新創作。展覽以中國的古代哲人莊子的《逍遙游》作為策展導引，試圖聚焦“亞洲”卻無形中拖拽著不少國際藝術家進入了一種因“裝神弄鬼”而詭譎多變的創作邏輯，名義上仿佛是在以亞洲文化、哲學與我們所處的當代性對話，事實上營造了一個淵面黑暗、深不可測的一個關于亞洲的虛構的當代敘事。

評星：三星

11月3日，紅磚美術館攜新加坡藝術家何子彥（Ho Tzu Nyen）、中國藝術家胡曉媛、印度裔藝術家安尼施·卡普爾（Anish Kapoor）、日本藝術家樫木知子（Tomoko Kashiki）、韓國藝術家樸贊景（Park Chan-Kyong）、俄羅斯藝術家陶斯·馬哈切娃（Taus Makhacheva）、黎巴嫩裔藝術家瓦利德·拉德（Walid Raad）、泰國藝術家阿彼察邦·韋拉斯哈古（Apichatpong Weerasethakul）等國際藝術家的最新創作亮相，展覽標題《儀禮·兆與易》也透露出北京當代藝術圈濃郁的文化底蘊和哲學思辨，這般年末大展的強勢陣容引得觀眾們對其學術性的當代探討和亞洲藝術家創作精神的根源挖掘充滿了好奇。

走進美術館，筆者首先被一層大廳中央的安尼施·卡普爾（Anish Kapoor）的裝置藝術作品《下沉》（Ascension）那道直徑5米的巨大的黑色漩渦所吸引，不停滾動翻騰著的黑水，伴隨著水波動的低鳴聲，一遍遍重復，似乎無休止地揭示著某種與宗教有關的寓言，又好像表現出人們內心深處不為人覺察的焦慮情緒。緊接在背后展墻的是胡曉媛的錄像藝術創作《伐冰渡海》，三個大屏幕的投射之下，橫亙在海面和冰川前的女人顯得巨大而空洞，某種被作者提前影射的自然與人類之間的抗爭與搏斗主題，以過于直白的視覺語言呈現出來，緩慢而遲鈍的影像似乎玩弄著觀眾有限的注意力，令人感覺時間在普世概念上的難以忍受。

走出展廳隨即看到前言中赫然引用了一段中國哲人莊子的古文：“北冥有魚，其名為鯤。鯤之大，不知其幾千里也；化而為鳥，其名為鵬。鵬之背，不知其幾千里也；怒而飛，其翼若垂天之云。是鳥也，海運則將徙于南冥。南冥者，天池也。”這樣的闡釋某種程度上與正在經歷經濟快速發展下的中國語境形成鮮明對比，策展人塔雷克·阿布埃爾菲杜討巧地將諾大的全球當代性主題與亞洲哲思的代表莊子，做了一個輕松而愜意的跨文化連接。他試圖以一個開放的觀念和獨立于西方認知的不同審美及思維方式來策劃這次展覽，并同時去探索古人關于“變易（metamorphosis）”的不同表達，用一場詩意之旅引領觀眾質疑敘事的確定性，激發反思和追尋預示征兆的欲望。例如，在泰國藝術家阿彼察邦和柴·斯里斯的作品《迪里拜爾》中，我們看到城市建筑工人在暖冬的驅使下進入一種“睡眠”的存在，身體與精神在沙迦的博物館和勞動營之間移轉。

然而，穿越一層展廳背后的長廊，瓦利德·拉德的《在我不用擔責的東西上劃痕：盧浮宮》和《致讀者的信》似乎在運用簡單的西方美術館展覽的創作邏輯，通過調查在黎巴嫩以及中東地區新近涌現的諸如藝博會、雙年展、博物館以及畫廊等眾多藝術基建，炮制了適合在任何國際雙年展展出的討論地緣政治的小型裝置作品。

正如德國藝術評論家本雅明在《機械復制時代的藝術作品》所論述的那樣，這樣的國際借展作品不僅本身與展覽地（中國）所處的政治、經濟和軍事沖突無關，更是脫離了藝術品在創作時所處的地理背景和歷史、政治的上下文關聯，也與莊子所討論的《逍遙游》中所暗喻的自由精神毫無聯系，顯得無聊而多余。（文／丁寧）

比爾·維奧拉/米開朗基羅：生命、死亡與重生

展期：2019年1月26日-3月31日

地點：英國皇家藝術學院

點評：展覽呈現了米開朗基羅和比爾·維奧拉的作品，試圖展現不同時代的藝術家所探討的生死問題。而在《衛報》評論員Adrian Searle看來，米開朗基羅的作品生動，非常值得一看，但未必配合上維奧拉的視頻裝置中空洞的景象。

評星：三星

與米開朗基羅的壁畫和雕塑的規模和宏偉形成鮮明對比的是，其精美的畫作讓我們更接近他作品的情感核心。他的作品被創造為愛的禮物和表達，或作為他自己的冥想反思。2006年，開創性的影像藝術家比爾·維奧拉（Bill Viola）在溫莎城堡（Windsor Castle）看到了這些畫作中最精美的一系列作品，并且對文藝復興時期大師表達情感和精神狀態的方式的感到驚訝。雖然維奧拉自己的作品是在完全不同的媒介中創作的，但它也在努力解決生活中的基本問題，考慮生死之間的門檻。

兩位藝術家都充分利用了神圣藝術的象征力量，兩者都向我們展示了物質的極端和超越的時刻。

此次在英國皇家藝術學院的展覽匯集了兩位藝術家的作品。觀眾可以看到米開朗基羅的作品，包括他的十字架畫作，以及米開朗基羅在英國唯一的大理石雕塑，“塔戴圓浮雕'（Taddei Tondo） ”。而展現的維奧拉作品則是其主要影像裝置作品，包括非凡的“特里斯坦的升天”(一個五米高的投影，描繪了死后靈魂的上升)。

展覽副標題生命、死亡與重生。 這三個詞是你在皇家藝術學院兩位藝術家的配對中首先看到的。英國皇家藝術學院所堅持的，將維奧拉的視頻裝置與米開朗基羅的繪畫配對并不是為了將美國影像藝術家提升到現代米開朗基羅的地位。 相反，它試圖指出主題和精神愿望中的親密關系：“存在的本質，生命的短暫性，以及追求超越死亡的更大意義。”

你在黑暗、迷宮般的畫廊的路上，遇到了一對裸體的老年夫婦，而關于這對夫婦的畫面都投射在一塊黑色花崗巖上，他們用小火把檢查自己的身體。 顯然，這是關于永恒的話題。

但在《衛報》評論員Adrian Searle看來，或許這樣將兩位不同時代的藝術家作品并置呈現并不合適。

“沉重的呼吸無法逃脫，這是我對維奧拉后期藝術的大部分內容的感受。但不知為何，我覺得面對米開朗基羅或其他大多數宗教藝術都沒有這種疑慮。”維奧拉的在鏡頭里則喜歡表現慢速的飛沫，傾盆大雨和突然爆發的飛濺等，有技術的復雜性看起來都非常好看，但現在看來，已經過時了。”Adrian評論道。

相比之下，米開朗基羅的繪畫充滿了生機，幻想，幽默，機智與暴力，并且具有廣泛而深刻的影響。此次展覽的大多數作品是從皇家收藏信托基金借來的。米開朗基羅總是很吸引人，在繪畫的層面上和主題一樣多。

“米開朗基羅的作品非常值得看，但最好不要伴隨這些（維奧拉的）大型的戲劇性影像裝置。”（編譯/陸林漢）